Hay algunos actores a los que le encantaría ver interpretando extractos de una guía telefónica. Y, suponiendo que tenga la edad suficiente para saber qué es una guía telefónica, bien podría considerar a Dame Eileen Atkins como una de ellas.
Ochenta y nueve el próximo mes, encabeza la cartelera de 4000 Miles de Amy Herzog, una de las dos nuevas producciones de dramas decepcionantes que abren el festival de verano de este año en Chichester. (El otro presenta a Lia Williams y a la estrella en ascenso Joshua James en la obra de 1924 de Noel Coward, The Vortex).
4000 Miles es una historia en la que un veinteañero de Seattle aparece en el apartamento de Manhattan de su abuela comunista de 91 años, Vera (Atkins).
Es un dulce pero ligeramente despolitizado obituario de 90 minutos para los izquierdistas marxista-leninistas de Nueva York, visto desde el punto de vista del nieto Leo (Sebastian Croft), que acaba de recorrer Estados Unidos en bicicleta.
Leo puede parecer un lindo joven de cabello suelto, pero a pesar de apoyarse en la abuela para la cama, la comida y el dinero, es un desagradecido maleducado que ocasionalmente la maldice entre sus historias de ex esposos y amantes.
La imagen muestra a Eileen Atkins como Vera y Sebastian Croft como Leo.
Arengado él mismo, primero por su ex novia (Nell Barlow), luego por una camioneta nocturna (Elizabeth Chu), observa con tristeza que para él, el comunismo de Vera es como “reciclar o algo así”.
Intercambios incoherentes pero dibujados con cariño cuentan como un vínculo significativo en la producción cariñosa del ex marxista confeso Sir Richard Eyre, ambientada en un apartamento típico, acogedor y lleno de libros de Greenwich Village.
Sin embargo, para mí, el leve paso en falso de Vera (ella invoca la palabra ‘f’, gorda, cuando describe a la novia de Leo) y las conversaciones sobre sexo solo superan por poco a la guía telefónica de Manhattan en cuanto a intriga.
Sin embargo, Atkins demuestra que todavía puede iluminar incluso el material más suave y sensiblero. Mientras atiende a su malhumorado nieto, se las arregla para ser a la vez etérea y con los pies en la tierra; y siempre nos mantiene adivinando lo que está pensando.
No es mi idea del drama, pero es genial verla.
Estoy menos seguro de que me apresuraría a ver a Lia Williams leyendo la guía telefónica, pero al menos se puede contar con ella para impulsar las obras junto con su ferocidad enjuta.
Lo mismo ocurre aquí en The Vortex de Noel Coward, una obra de sexualidad sofocada que no debe confundirse con una de sus comedias de salón. Aunque se desarrolla en tres actos, en realidad es un drama de un acto de Coward, de 25 años, que se centra en la relación entre la actriz de alto mantenimiento Florence (Williams) y su necesitado hijo pianista Nicky (Joshua James).
Acaba de regresar de vivir la vie boheme en el París posterior a la Primera Guerra Mundial y su adicción a las drogas recién adquirida debe entenderse como un sustituto de la homosexualidad de Coward, en una era de censura.
La historia está fuertemente influenciada por la lúgubre fiesta de fantasmas del siglo XIX de Ibsen y la tragedia de la actriz y su hijo de Chéjov, La gaviota, sin lograr la seriedad de ninguna de las dos.
Construido alrededor de una serie de cambios de carácter abruptos, sin una motivación clara, revolotea como una manga de viento, aliviada solo por breves destellos de ingenio cobarde.
El director Daniel Raggett exagera con el anacronismo de un cantante de un club nocturno interpretando Oh! de David Bowie. You Pretty Things en un interludio de fiesta de pesadilla a mitad de camino.
Aunque un suplente leyó a un actor cuando lo capté esta semana, la fuerza de la producción radica en su pareja principal. Williams es enérgicamente asustadiza y parece alarmantemente perdida en su casa oscura, con paneles de madera, equipada con baratijas Art Deco, que se retiran constantemente para demostrar su aislamiento.
Pero fue James quien realmente me impresionó. En una sucesión de trajes de seda (y una bata floral) hay una palpable sensación de peligro en él, mientras oscila entre el encanto, el pánico, la ira y la intensidad apasionada.
Cuando confronta a su madre por las infidelidades sexuales que le han costado a él y a su padre su amor, las madres y los hijos de la vida real pueden desear haber reservado noches diferentes.
El musical Operation Mincemeat es ahora el chiflado brindis del West End. Es una historia de ‘cadáver troyano’, en la que los valientes agentes del servicio secreto británico de la Segunda Guerra Mundial en el MI5 usan un cadáver para engañar a los cobardes hunos de Hitler, pero con chistes y un toque descarado de lucha de clases.
Split Lip Theatre Company, que la escribió y también la interpretó, ofrece un pastiche de pared a pared de melodías de espectáculos, entonces y ahora (me encantaron las letras en rima que nunca son obvias). Mi número favorito fue el rap nazi al estilo de los Beastie Boys después del intervalo, pero también hay dulces giros musicales y una canción de antorcha que derrite el corazón.
La compañía está formada más por comediantes travestidos que por músicos (quizás el momento más inteligente es el de los Admirals que cantan, con las cabezas asomando por los marcos de los cuadros), pero la alegre producción de Robert Hastie rezuma estilo, diversión e invención para garantizar una buena oportunidad de una larga carrera en el más pequeño de los lugares del West End.
El musical Operation Mincemeat es ahora el chiflado brindis del West End. Es una historia de ‘cadáver troyano’, en la que los valientes agentes del servicio secreto británico de la Segunda Guerra Mundial en el MI5 usan un cadáver para engañar a los cobardes hunos de Hitler, pero con chistes y un toque descarado de lucha de clases.
La acción se basa en giros de la trama y piezas de escenario alegremente coreografiadas antes de culminar en un final de parodia de Busby.
Es absolutamente un esfuerzo de equipo, pero Natasha Hodgson (en el papel de Colin Firth de Ewen Montagu de la película) simplemente lo califica como el maravillosamente elegante viejo Etonian (lema: “nunca confíes en los sirvientes”) que está en algún lugar entre un furtivo Boris Johnson y una descarada Phoebe Waller-Bridge.
La declaración final es más empalagosa de lo necesario, pero para entonces la audiencia ya se ha puesto de pie.
‘Estoy perdida sin un lápiz labial’, dice Jane Asher mientras Lady Kitty (en la foto) está demasiado pintada. Literalmente, ponerse una máscara brillante y valiente ha sido su estilo, después de haber sido condenada al ostracismo por la ‘sociedad’ cuando se escapó con Lord Hughie Porteous, abandonando a su hijo de cinco años, Arnold.
Cuando regresa a su antiguo hogar y descubre que su nuera está a punto de hacer lo mismo y deshacerse del aburrido Arnold (ahora un niño-hombre de 35 años) por un pobre pero apasionado plantador de caucho, Kitty se horroriza.
El título de la obra de 1921 de Somerset Maugham se refiere a la posibilidad de que la historia se repita. Pero el tema serio detrás de la comedia frívola es la batalla entre la cabeza y el corazón.
El renacimiento minimalista de Tom Littler en la ronda hace que sea mucho mejor ver todos los puntos de vista y nos mantiene preguntándonos de qué manera saltará Elizabeth de Olivia Vinall.
Clive Francis seduce como el exmarido de Lady Kitty, hasta que queda expuesto como un depredador espeluznante. Nicholas Le Prevost es divertidísimo como Hughie. Como Arnold, Pete Ashmore es tan seco como el romántico Teddy de Chirag Benedict Lobo. Pero todo es un poco demasiado. Menos es más con Maugham.
